Informazione

Scultura in bronzo etrusco


Gli Etruschi producevano oggetti in bronzo risalenti al periodo villanoviano (1100-750 a.C.) e utilizzavano il materiale per tutti i tipi di oggetti, ma sono le loro sculture di figure che sono diventate alcune delle attrazioni principali nei musei di tutto il mondo. Il bronzo era un materiale altamente desiderabile per tutta l'antichità e facilmente fuso per il riutilizzo, tanto che è ancora più notevole che opere così belle come la Chimera di Arezzo e Marte di Todi siano sopravvissute per testimoniare oggi la squisita arte della prima grande civiltà italiana.

Produzione

L'Etruria ebbe la fortuna di avere ricche risorse di metalli, in particolare rame, ferro, piombo e argento. I primi Etruschi ne fecero buon uso e il bronzo fu usato per fabbricare una vasta gamma di beni come strumenti, armi, armature, monete, gioielli, ventagli, lucerne, bruciaincensi, specchi, treppiedi, piatti e utensili di uso quotidiano, calderoni , morsi di cavallo, forzieri e persino carri. Il bronzo veniva martellato, tagliato, fuso con stampi o con la tecnica della cera persa, sbalzato, inciso e rivettato in una gamma completa di tecniche.

A partire dalla metà dell'VIII secolo a.C., gli artisti etruschi beneficiarono del contatto con coloni greci (soprattutto Eubei) e commercianti di Fenicia, Sardegna, Egitto, Europa centrale e Balcani. Ciò ha portato perfezionamenti tecnologici nella lavorazione dei metalli e una gamma completamente nuova di idee artistiche.

Molte città etrusche avviarono laboratori specializzati nella produzione di opere in bronzo e tra queste ricordiamo Acquarossa, Cerveteri, Chiusi, Populonia, Tarquinia, Vulci, Volsinii e Volterra. Per dare un'idea della scala della produzione, si dice che i romani abbiano saccheggiato più di 2.000 statue di bronzo quando attaccarono Volsinii (l'odierna Orvieto) nel 264 a.C., fondendole per la monetazione.

Figurine

Le figurine di bronzo, spesso con una piccola base in pietra, erano una forma comune di offerta votiva nei santuari e in altri luoghi sacri. Alcuni, come quelli rinvenuti alla Fonte Veneziana di Arretium, erano originariamente ricoperti di foglia d'oro. Una prima figura è una rappresentazione in bronzo martellato e fuso del VI secolo a.C. di una dea femminile che tiene un uccello dalla tomba di Iside a Vulci. È alto 34 cm e originariamente aveva gli occhi intarsiati e le parti ricoperte di lamina d'oro. La figura è ora al British Museum di Londra.

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La maggior parte delle figurine sono donne in lunghe vesti di chitone, maschi nudi come i greci kouroi, guerrieri armati e giovani nudi. A volte venivano presentati degli dei, specialmente Ercole. Una posa comune delle figurine votive consiste nell'avere un braccio alzato (forse in appello) e tenere un oggetto - comunemente un melograno, fiori o un alimento circolare (probabilmente una torta o un formaggio). Bellissimi esempi di opere in bronzo più piccole includono una figurina del VI secolo a.C. di un uomo che fa un'offerta votiva dalla "Tomba della statuetta di bronzo del portatore di offerte" (Tomba del Bronzetto di Offerente) a Populonia. Un'altra bella opera è la statuetta del IV secolo a.C. di due buoi e un aratore di Arretium.

Volterra era nota per la sua produzione di figurine in bronzo distintive che sono figure umane estremamente alte e magre con teste minuscole. Sono forse una reliquia di figure molto più antiche tagliate in lamina di bronzo o scolpite in legno e ricordano curiosamente la scultura d'arte moderna. L'esempio più famoso risale al III secolo a.C. ed è noto come il Ombra della sera ("Ombra della sera"). È una rappresentazione alta 57 cm di un ragazzo nudo che è rigidamente in piedi sull'attenti e indossa l'accenno di un sorriso. La figura è esposta al Museo Etrusco Guarnacci di Volterra.

Realismo oltre l'estetica

Le opere d'arte etrusche sono state esportate in lungo e in largo nel Mediterraneo e molte sono state scoperte in siti sacri come Olimpia, Delfi e Dodona. Scrittori antichi come Plinio il Vecchio elogiavano gli Etruschi per la loro scultura in bronzo, in particolare:

Vediamo l'Apollo toscano, nella biblioteca del tempio di Augusto, alto cinquanta piedi dalla punta; ed è questione se sia più notevole per la qualità del metallo, o per la bellezza della lavorazione. (Keller, 232)

Lo storico W. Keller spiega cosa c'era di unico nella scultura in bronzo etrusca rispetto alle opere di altre culture contemporanee:

Non era il modo etrusco di concentrarsi sull'esteriorità, di tendere a un'irreale, idealizzata perfezione della forma. Le loro opere dinamiche e vitali pulsavano di vita. Che fossero figure di animali o di esseri umani, non erano regolari, equilibrate o ideali. Gli artisti etruschi miravano soprattutto a far emergere la quintessenza del loro soggetto, le sue caratteristiche individuali. Si sforzavano di esprimere la forza motrice interiore, le profondità inconsce... Gli artisti etruschi cercavano di cogliere la personalità di un uomo, il suo nucleo duro di base, e di trasmetterlo in modo realistico, a prescindere dall'estetica. Furono le loro opere a ispirare la sobria arte realistica del ritratto romano. (232-3)

Capolavori Etruschi

Chimera di Arezzo

La Chimera è un mostro sputafuoco della mitologia greca che ha la testa di leone, la coda di serpente e la testa di capra che sporge dalla sua schiena. La scultura, fusa in bronzo con la tecnica della cera persa, è alta 78,5 cm e misura 129 cm di lunghezza. Risale al V o IV secolo a.C. La coda è il risultato di un restauro effettuato nel XVIII secolo d.C. sulla base di un frammento superstite. Probabilmente faceva parte di una composizione di pezzi insieme all'eroe Bellerofonte, che uccise il mostro, e il suo cavallo alato Pegaso. C'è un'iscrizione su una gamba che recita tinscvil o 'dono a Tin', indicando che si trattava di un'offerta votiva al dio Tin (aka Tinia), capo del pantheon etrusco. Miracolosamente la scultura fu trovata in un fossato nel 1553 d.C. quando ad Arezzo furono erette nuove fortificazioni da Cosimo de' Medici, Granduca di Toscana. Attualmente è esposto al Museo Archeologico di Firenze.

Marte di Todi

Risalente alla fine del V secolo o all'inizio del IV secolo a.C., la sorprendente figura a grandezza naturale indossa una corazza e un tempo impugnava una lancia. D'altra parte probabilmente stava versando una libagione. La figura è alta 142 cm e porta un'iscrizione in umbro (ahal trutite donum dede) che rivela che è stato dedicato da Ahal Trutitis, un celta. Si pensa sia stato realizzato ad Arretium, anche se è stato rinvenuto nei pressi di Todi dove veniva ritualmente sepolto in una fossa rivestita di pietra dopo essere stato colpito da un fulmine. Ora è in mostra ai Musei Vaticani a Roma.

Minerva di Arezzo

Questa rappresentazione di Menerva, la dea etrusca, che era l'equivalente della dea greca Atena e della divinità romana Minerva, fu realizzata tra il III e il I secolo a.C. Scoperta nel 1541 d.C. in un pozzo ad Arezzo, è attualmente esposta al Museo Archeologico di Firenze.

Ritratto di un uomo barbuto "Brutus"

Questa testa ritratto (montata in un busto moderno) è stata a lungo identificata con Bruto, primo console di Roma, ma non ci sono prove per questa associazione. La maggior parte degli storici dell'arte concordano sul fatto che per motivi stilistici si tratti di un'opera etrusca del 300 a.C. circa. Ora è in mostra ai Musei Capitolini di Roma.

L'Arringatore (Oratore)

Questa figura a grandezza naturale fu realizzata nella prima metà del I secolo a.C. e rappresenta una figura maschile in piedi che indossa una tunica a maniche corte e una toga con il braccio teso come se stesse pronunciando un discorso. Un'iscrizione indica che è stato offerto a nome di una certa Aule Meteli (che può rappresentare o meno). La statua fu scoperta nei pressi del Lago Trasimeno nel 1566 d.C., ed è attualmente esposta al Museo Archeologico di Firenze.

Nota: la statua conosciuta come la Lupa Capitolina che è esposta nei Musei Capitolini di Roma è stata a lungo ritenuta una scultura etrusca, ma ora si pensa che appartenga all'XI o XII secolo d.C.


I GRANDI SCULTORI TOSCANI DEL XV SECOLO V. Francesco Laurana, Antonio del Pollaiuolo, Andrea Riccio e Pisanello.

Lo stile piatto, sottile e raffinato degli scultori fiorentini del quattrocento non è mai stato colpito. Erano delicati per convinzione. Questo aspetto è evidente nei ritratti che un altro scultore, questa volta non fiorentino, di nome Francesco Laurana, eseguì per le principesse della corte di Napoli. Francesco Laurana (ca. 1430 – prima del 12 marzo 1502) era dalmata, di Vrana (oggi Zara), e ha avuto una carriera cosmopolita a Napoli, Sicilia, Marsiglia e Avignone. I suoi ritratti delle principesse napoletane della Casa d'Aragona (Eleonora, a Palazzo Abatellis a Palermo, e il busto di una principessa non identificata, al Louvre) sono entrambi capolavori in cui la sintesi formale si fa strada lungo il percorso della creazione astratta.

Busto di Eleonora d'Aragona, marmo, di Francesco Laurana, ca. 1468-1471 (Galleria Regionale della Sicilia, Palazzo Abatellis, Palermo). Francesco Laurana, anch'egli architetto come il fratello Luciano, costruttore del Palazzo Ducale di Urbino, fu anch'egli un ottimo scultore di raffinata e sobria eleganza. Chiamato da Alfonso V alla sua corte di Napoli per lavorare all'arco trionfale di Castelnuovo, vi eseguì questi busti delle principesse aragonesi. Questo particolare busto è stato originariamente scolpito per la tomba di Eleonora ed è considerato l'epitome della scultura siciliana di epoca rinascimentale. È considerato iconograficamente simile al “Busto di una principessa” (Louvre, vedi immagine sotto). Busto di principessa, marmo, di Francesco Laurana, 1468 ca (Museé du Louvre, Parigi). Questo busto forma un quadrato perfetto (44 x 44 cm). Sebbene la modella non sia stata identificata, di solito è stata messa in relazione con un ritratto postumo dell'infante Eleonora d'Aragona, sulla base del suo ritratto funerario ora conservato nella Galleria Nazionale della Sicilia a Palermo.

I decoratori fiorentini non solo eseguivano le loro opere in pietra calcarea e marmo, ma anche in bronzo, come un tempo facevano Donatello e Verrocchio. Uno di loro, di nome Antonio del Pollaiuolo (17 gennaio 1429/1433 – 4 febbraio 1498) si trasferì a Roma nel 1484 con il fratello Piero, anch'egli scultore e pittore, per scolpire i monumenti sepolcrali di Innocenzo VIII e Sisto IV. Il Pollaiolo era un artista di estrema sensibilità, un po' malaticcio. Il nervosismo che era già visibile in alcune opere di Donatello si aggravava nel Pollaiolo, la sua prima formazione fu quella di orafo, tecnica alla quale tornò in età più avanzata quando eseguì il rilievo in argento raffigurante la Nascita del Battista, tra il 1367-1483. Questo altare, scolpito prima del suo viaggio a Roma, era destinato al battistero di Firenze.

Monumento a Sisto IV, bronzo, di Antonio del Pollaiuolo, 1484-1493 (Tesoro seminterrato della Basilica di San Pietro, Vaticano). Questa tomba di Sisto IV fu commissionata dal nipote di Sisto, il cardinale Giuliano della Rovere (poi papa Giulio II). La tomba è una delle grandi realizzazioni scultoree del XV secolo, una composizione che manifesta l'esagerazione nelle caratteristiche anatomiche delle figure tipiche dell'arte del Pollaioulo. La parte superiore del monumento è una rappresentazione realistica di Sisto IV che giace in stato. Intorno alla figura sdraiata del Papa che indossa tiara e paramenti pontifici, e disposte su un livello leggermente più basso, sono raffigurate le sette virtù (Carità, Speranza, Prudenza, Fortezza, Fede, Temperanza e Giustizia). La base concava della tomba è decorata con dieci pannelli in bassorilievo raffiguranti figure femminili allegoriche rappresentanti Grammatica, Retorica, Aritmetica, Geometria, Musica, Pittura, Astronomia, Filosofia e Teologia, le arti liberali classiche, con l'aggiunta di pittura e teologia queste le figure sono separate da console d'acanto. Ogni figura incorpora la quercia (rovere” in italiano), simbolo di Sisto IV. Tomba di Papa Innocenzo VIII, bronzo dorato, di Antonio del Pollaiuolo, 1492-1498 (Basilica di San Pietro, Vaticano). Le ultime commissioni di Antonio del Pollaiuolo furono le tombe papali di Sisto IV (vedi foto precedente) e quella del suo successore Innocenzo VIII (foto sopra). Questo monumento funerario sorgeva originariamente nell'antica Basilica di San Pietro e fu completato poco prima della morte del Pollaiolo. ​Il monumento è composto da due parti: un'effigie sdraiata di Innocenzo VIII sdraiato sulla sua tomba e un'immagine di lui seduto su un trono e posta sopra. In questa figura seduta, il papa benedicente tiene la punta metallica della lancia che ha trafitto il costato di Cristo, una delle tante sante reliquie custodite a San Pietro. Per secoli la reliquia della Santa Lancia fu custodita a Costantinopoli. Tuttavia, nel 1492, poco prima della sua morte, papa Innocenzo VIII lo ricevette in dono dal sultano ottomano Bayezid II. La figura del Papa seduto è circondata da rilievi delle quattro virtù cardinali. In alto una pesante cornice è sormontata da una lunetta con le tre virtù teologali rappresentate in rilievo (La Carità è posta all'interno di una mandorla). “Altare del battistero di Firenze con Storie della vita del Battista: Nascita”, oro, di Antonio del Pollaiuolo (Museo dell’Opera del Duomo, Firenze). Questo rilievo, che rappresenta la Nascita del Battista, si trova sul lato sinistro dell'altare, e dà un fedele quadro di genere di un contemporaneo interno fiorentino. La scena si svolge all'interno di una stanza, in cui il letto è posto a metà strada. In fondo, sotto la finestra, un servitore porta il rinfresco, mentre il bambino Battista accudito dalle sue balie occupa il primo piano. Nel frattempo, la Vergine entra nella stanza di destra accompagnata dal suo attendente, figura che richiama fortemente l'immagine di Flora nella “Primavera” di Botticelli (nella foto sotto). La scena in primo piano rappresenta il lavaggio del bambino ed è realistica nei suoi dettagli, ad esempio si vede la donna che sente la temperatura dell'acqua con la mano sinistra.

In alcune opere del Pollaiolo l'espressione giocava un ruolo importante, soprattutto nelle sue piccole sculture. Alcuni studiosi attribuiscono anche ad Antonio del Pollaiolo l'aver scolpito le figure dei gemelli infantili Romolo e Remo che furono aggiunte nel XV secolo all'antica statua della lupa capitolina. In questo periodo, vari artisti toscani o non provenienti da diverse regioni dell'Italia centro-settentrionale, iniziarono a modellare opere di dimensioni ridotte, dando vita così ad una tradizione che, alla fine del XV e all'inizio del XVI secolo, avrà il suo più importante rappresentante nel padovano Andrea Briosco detto Riccio (ca. 1470 – 1532), formatosi prima come orafo e poi autore di piccole figure in bronzo, animali e nudi modellati in stile etrusco. Eccelleva nella creazione di piccoli bronzi che catturavano lo spirito dell'antichità senza ricorrere alla copiatura. Riccio è stato considerato il più grande scultore di bronzetti dell'Italia rinascimentale.

Alcune piccole sculture di Antonio del Pollaiolo. Sinistra: Ercole e Anteo, bronzo, 1470, altezza 45 cm (Museo Nazionale del Bargello, Firenze). La scultura raffigura l'episodio classico di Ercole impegnato in un incontro di lotta con il gigante Anteo che era invincibile fintanto che una parte di lui toccava la terra, da cui traeva le sue forze. Così, Ercole lo tenne in aria finché non si indebolì e morì. Ercole è raffigurato con le braccia allacciate intorno alla vita di Anteo, che schiaccia il corpo del gigante al proprio. Queste statuette in bronzo erano spesso patinate per assomigliare a bronzi antichi. Questo particolare pezzo dimostra la conoscenza dell'anatomia del Pollaiolo (appresa dalla dissezione dei cadaveri) e la sua capacità di rappresentare la violenza fisica ed emotiva. Questo gruppo era famoso durante la vita dell'artista: Leonardo lo studiò e Michelangelo ne incluse uno schizzo su un foglio che illustrava la fusione in bronzo. Destra: Ercole, ca. 1475 (Bode Museum, Berlino). Piccoli bronzi di Andrea Riccio. In alto a sinistra: Pan, ca. 1510-1520, altezza 36 cm (Metropolitan Museum of Art, New York). Questa statuetta è modellata su un'antica statua in marmo oggi conservata nei Musei Capitolini di Roma. La clientela colta di Duccio preferiva i temi associati alla mitologia classica. In alto a destra: Il pastore Dafni con pifferi, 1520-1530, altezza 21,3 cm (Walters Art Museum, Baltimora, Maryland). Questo piccolo bronzo è notevole per il suo naturalismo e lirismo. Questa statuetta rappresenta un pastore del mitico mondo dell'Arcadia, dove satiri, ninfe, dei e umani vivevano insieme a loro agio. Gli fu insegnato a suonare la pipa ad ancia cava dal dio Pan e divenne l'inventore della poesia pastorale. In basso a sinistra: La lampada Rothschild, ca. 1510-1520, 19 x 23 x 7 cm (Metropolitan Museum of Art, New York). Questa è una lampada a olio funzionale. In generale, la lampada assume la forma di una fantasiosa nave o galea antica. Decorato con conchiglie, bucrani, arpie*, ghirlande, e altri motivi decorativi classici, il corpo di ogni lampada è anche decorato con fregi di putti. In basso a destra: Satiro e Satira, ca. 1510-1520 (Victoria and Albert Museum, Londra). Qui Riccio raffigura la natura lussuriosa dei satiri ma anche il loro tenero rapporto: Satiro e Satira siedono intrecciati su una base poco profonda, le braccia intorno alle spalle dell'altra, la gamba destra appoggiata sulla sinistra, il Satiro tocca il collo del compagno con la punta delle dita, il pollice appoggiato sul mento di lei e le loro labbra contratte come se stessero per baciarsi.

È naturale che una società come quella fiorentina della metà del XV secolo, che sentiva il miraggio dell'antichità con una passione davvero romantica, aspirasse a lasciare un'impronta antica in tutte le sue manifestazioni artistiche. Tale desiderio di emulare l'arte antica divenne qualcosa di così radicato e così naturale tra gli italiani che allora vivevano in Toscana, da essere notato anche nelle forme d'arte destinate alla borghesia più semplice e alla gente comune della città. Lo si vede nelle ceramiche in cui, a seguito di un'abbondante importazione di pezzi valenciani, era evidente la padronanza della tecnica della vernice a macchia bianca, che tanto si presta alla decorazione policroma. Grazie all'uso di questa tecnica e di un elegante modellato, tali terrecotte verniciate e dipinte erano spesso piccoli capolavori che riflettevano quella sottile sensibilità rinascimentale, siano essi vasi e vasellame o inserti decorativi per scopi devozionali o personali.

Esempi di maiolica in ceramica smaltata a stagno del primo Rinascimento italiano. Sinistra: Vaso blu e bianco con decoro in foglia di quercia e cani, realizzato a Firenze, ca. 1400-1450 (Museo Nazionale del Bargello, Firenze). Destra: Piatto in maiolica di terracotta, smalto stagno, inizi del XV secolo, Italia (Metropolitan Museum of Art, New York).

Altro aspetto tipico di questo desiderio di far rivivere le forme dell'antichità è stato tradotto nella realizzazione di medaglie. Il primo e più famoso medagliato fu un pittore e scultore, veronese, Antonio Pisano, detto il Pisanello (ca. 1395 – ca. 1455), artista raffinato e abilissimo illustratore di animali. È stato lui a dare il tono a questa moda artistica. La sua prima medaglia fu quella che realizzò con l'effigie di Giovanni VIII Paleologo, in commemorazione del suo arrivo in Italia nel 1438. L'impatto che questa medaglia ebbe sull'arte fu significativo, influenzando sia la scultura che la pittura. Gli artisti del Rinascimento hanno successivamente utilizzato il ritratto di Giovanni di Pisanello quasi come un tipo di stock per rappresentare figure esotiche o antiche. Questo può essere visto nell'opera di Piero della Francesca che ha usato l'immagine di Giovanni nella sua “Flagellazione di Cristo” e negli affreschi aretini sulla Storia della Vera Croce, e nell'opera di Benozzo Gozzoli che ha usato l'immagine di Giovanni come modello per raffigurare uno dei magi nei suoi affreschi per la Cappella dei Magi (vedi piccole immagini sotto).

Medaglia dell'imperatore Giovanni VIII Paleologo (complementare-sinistra e retromarcia-destra), lega di rame, di Pisanello, ca. 1438, 10cm diam. (Münzkabinett, Staatliche Museen, Berlino). Giovanni VIII Paleologo (1392-1448), imperatore di Bisanzio, fu l'ultimo sovrano dell'antico impero romano. Fu invitato da papa Eugenio IV a partecipare a un concilio a Ferrara, dove arrivò con un folto seguito. Pisanello, che allora lavorava a Ferrara per Leonello d’Este, rimase affascinato dall'aspetto esotico dell'entourage imperiale, i cui dettagli registrò nei disegni e utilizzò nei dipinti. Pisanello è stato incaricato di produrre un oggetto che commemora questa visita storica. Questa medaglia, la prima medaglia ritratto del Rinascimento, divenne il tipo per tutte le medaglie successive. Al dritto (a sinistra), Pisanello colloca Giovanni Paleologo di profilo secondo esempi antichi e medievali, e circondato da un'iscrizione identificativa in greco che recita “Giovanni, imperatore e autocrate dei Romani, il Paleologo”, l'aspetto più appariscente di il ritratto è il cappello dell'imperatore: questo grande indumento occupa circa la metà dello spazio pittorico del dritto. Sul retro (a destra) Paleologo è nuovamente raffigurato di profilo, in sella al suo cavallo, mentre si ferma a pregare presso una croce lungo la strada sopra un piedistallo. Dietro di lui, montato su un altro cavallo, c'è un paggio o scudiero visto da dietro e di scorcio. Iscrizioni sia in latino che in greco nome Pisanello come artefice della medaglia (“Il lavoro del pittore Pisano”). L'immagine di Giovanni Paleologo del Pisanello (vedi foto precedente) ha avuto una forte influenza nell'arte. Le sue caratteristiche “esotiche” sono state riprodotte quasi invariate da artisti successivi tra cui Piero della Francesca (affreschi di Arezzo sulla Storia della Vera Croce a sinistra e Flagellazione di Cristo al centro) e Benozzo Gozzoli (Affresco della Processione dei Magi in la Cappella dei Magi a destra).

Ispirate alle monete romane, con i loro ritratti di sovrani e rappresentazioni allegoriche sul retro, le medaglie del Pisanello commemoravano individui o eventi e fungevano da regali e ricordi. Pisanello determinò poi, lo stile di tale conio. In generale, sul dritto del disco di bronzo, modellò a rilievo il busto di profilo del personaggio ritratto, accompagnandolo con una legenda latina e riservando per il rovescio un simbolo o un'allegoria. Tra le sue medaglie più famose ci sono quelle realizzate per Gianfrancesco Gonzaga, marchese di Mantova, quella per Filippo Maria Visconti, per Leonello d'Este, e quella realizzata a Napoli per Alfonso V d'Aragona.

Altre medaglie di Pisanello. In alto a sinistra: Medaglia di Gianfrancesco Gonzaga, lega di rame con patina scura e strato scuro di cera, ca. 1445-1447, 10 cm diam. (Museo d'Arte Metropolitana, New York). Gianfrancesco Gonzaga (1395-1444) fu un capitano militare di successo e una figura chiave nel consolidamento del dominio dei Gonzaga a Mantova. Sul dritto (a sinistra) della medaglia, il marchese appare opulentemente vestito con un grande cappello. Sul retro (a destra) è mostrato il suo ruolo di comandante militare, dove indossa un'armatura da campo, tiene il testimone del comando e siede a cavalcioni di un potente cavallo. Un nano scudiero, vestito in modo simile per la guerra, è visto dal retro. Al centro a sinistra: Medaglia di Filippo Maria Visconti, bronzo fuso, ca. 1441, 10cm diam. (Castello Sforzesco, Milano). Filippo Maria Visconti (1392-1447) fu sovrano del ducato di Milano. Era solitario, sovrappeso e camminava con difficoltà. Il dritto della medaglia mostra Visconti di profilo che indossa il suo caratteristico cappello. Sul retro, l'imponente figura a cavallo, che indossa un'armatura da torneo e impugna una lancia da giostra, evoca l'atmosfera cavalleresca della corte, così come i suoi compagni a cavallo. In basso a sinistra: Medaglia di Leonello d’Este, lega di rame giallastra con patina marrone scuro, ca. 1441-1444, 7 cm diam. (Museo d'Arte Metropolitana, New York). Leonello d’Este (1407-1450) fu marchese di Ferrara e duca di Modena e Reggio Emilia. Secondo fonti contemporanee, fu un intellettuale serio, avido musicista, poeta e attivo mecenate delle arti. Nel 1441 portò Pisanello alla sua corte e gli commissionò una serie di almeno sei medaglie. Ogni medaglia reca il ritratto del principe sul dritto, abbinato sul rovescio, con un'immagine oscura e complicata ricca di simbolismi e di allusioni all'arte e al sapere classici. Sul rovescio di questa particolare medaglia, pezzi di armatura appesi a rami di ulivo fiancheggiano la curiosa figura del bambino trifronte, generalmente spiegato come emblema della Prudenza, attributo essenziale del sovrano, che guarda al passato, al presente , e futuro. Destra: Medaglia di Alfonso d'Aragona, re di Napoli, bronzo fuso, 1449 (Victoria and Albert Museum, Londra). Pisanello ha prodotto diverse medaglie commemorative con ritratto per Alfonso V d'Aragona. Il rovescio raffigura una maestosa aquila appollaiata sopra un cerbiatto morto e circondata da rapaci più piccoli, che rappresentano le virtù di Alfonso come sovrano. Questa immagine è rafforzata dall'iscrizione in latino “Liberalità imperiale”.

Altre medaglie, non meno famose, sono state attribuite anche a Pisanello o al suo seguace, Mateo de’ Pasti, anche lui veronese, che fu allievo di Donatello. Lavorò per molti anni nella bottega di Donatello e completò le opere incompiute di Donatello dopo la sua morte nel 1466. Più tardi, Bertoldo divenne capo e insegnante dell'accademia informale per pittori e scultori che Lorenzo de' Medici fondò nel suo giardino. Allo stesso tempo, Bertoldo era il custode delle raccolte di antichità romane. Sebbene Bertoldo non fosse un grande scultore, alcuni dei più significativi scultori del loro tempo frequentarono questa scuola, tra cui Michelangelo. Altri medagliati famosi furono Bertoldo di Giovanni, discepolo di Donatello, e Niccolò Fiorentino.

Medaglioni di Sigismondo Pandolfo Malatesta e della sua ultima moglie Isotta, di Matteo de’ Pasti (Museo della città di Rimini, Italia). Matteo de’ Pasti (nato a Verona) ha lavorato su molte commissioni reali, tra cui opere per Leonello d’Este e Sigismondo Pandolfo Malatesta. Matteo collaborò inoltre con l'architetto Leon Battista Alberti alla progettazione e realizzazione del Tempio Malatestiano. Altro importante medagliere del primo Rinascimento italiano. In alto a sinistra: Medaglia con ritratto di Mehmed II (complementare), bronzo, di Bertoldo di Giovanni, ca. 1480, 9,4 cm diam. (Galleria Nazionale d'Arte, Washington). Mehmed II, comunemente noto come Mehmed il Conquistatore, era un sultano ottomano della metà del XV secolo. In alto a destra: Medaglia della Cospirazione dei Pazzi (recto), bronzo, di Bertoldo di Giovanni, 1478, 6,4 cm diam. (Galleria Nazionale d'Arte, Washington). Questa famosa medaglia commemora Giuliano e Lorenzo de’ Medici dopo la congiura dei Pazzi del 1478. Il dritto raffigura Lorenzo, che fuggì. Il ritratto a figura intera è incorniciato dal coro ligneo provvisorio del Brunelleschi che racchiude l'altare maggiore della Basilica di Firenze, mentre la scena sotto il busto ritrae Lorenzo che respinge i suoi aggressori e fugge. Il suo contenuto narrativo non ha precedenti in una medaglia. Al centro a sinistra e a destra: Medaglia di John Kendal (recto e rovescio), bronzo, di Niccolò Fiorentino, 1 480, 5,9 cm diam. (Museo d'Arte Metropolitana, New York). In basso a sinistra e a destra: Medaglia di Lorenzo de’ Medici, ‘il Magnifico’, (complementare e rovescio), bronzo, di Niccolò Fiorentino, ca. 1490, 9 cm diam. (Museo d'Arte Metropolitana, New York). Nato in una famiglia di orafi fiorentini, Niccolò è annoverato tra i principali ritrattisti di medaglie del Rinascimento italiano. Lavorando in altorilievo, ha creato effigi che sono più audaci in scala e più schiettamente realistiche.

Arpia: Nella mitologia greca e romana, a arpia è una personificazione metà umana (di solito femmina) e metà uccello dei venti di tempesta. Sono presenti nei poemi omerici.

Medaglia: (o medaglione). Un piccolo oggetto artistico portatile, costituito da un disco sottile, normalmente di metallo, che porta un disegno, generalmente su entrambi i lati. Questi disegni hanno in genere uno scopo commemorativo di qualche tipo. Possono essere pensati per essere indossati, appesi ai vestiti o come gioielli.


Chimera di Arezzo, scultura etrusca in bronzo (c.400 a.C.) - illustrazioni stock

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Scultura Etrusca in Bronzo solide d'un prêtre. 3ème - 2ème siècle avant JC. 11 cm di altezza.

Altezza 11 cm senza supporto e 16,5 centimetri montata.

Provenienza: Collezione privata, C..C., Barcellona, ​​acquistata a Londra nel 1960 - 1970.

CONDIZIONI: Buono stato, vedi foto.

Magnifica figura votiva in bronzo massiccio di giovane uomo in piedi, probabilmente sacerdote. Indossa un himation, un ampio mantello che copre la spalla e il braccio sinistro, cadendo sul petto nudo sul lato destro dei fianchi e poi coprendo le gambe. A differenza della clamide, questo indumento non si tiene con uno spillo o una cravatta. Le caviglie e i piedi sono scoperti, quindi vediamo che la figura non ha calzature di alcun tipo.

La sua testa è adornata con un diadema, generalmente indicato come uno stephane radiato e solitamente interpretato come una ghirlanda di foglie o bacche di edera.

La statua ha una forma appiattita, una posa e un'anatomia direttamente influenzate dallo stile greco-ellenistico. I capelli sono lunghi e ondulati e il viso meravigliosamente espressivo.

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Tinia, il dio più potente del pantheon etrusco, appare spesso con un fulmine, lo stesso attributo associato a Zeus e Giove nella religione e nel mito greco e romano. La mano sinistra tesa potrebbe aver tenuto un tempo uno scettro. Sebbene la figura trovi numerosi paralleli tra altri bronzi etruschi della fine del 500 e dell'inizio del 400 aC, la sua superficie è stranamente ruvida e screziata di macchie, forse il risultato di un trattamento o rivestimento della prima età moderna inteso a proteggere o migliorare il suo aspetto. Un'analisi del 2001 della composizione del bronzo ha mostrato risultati coerenti con altre antiche leghe etrusche.


[JD1]Può sembrare ovvio, ma nello spirito di essere super chiaro, voglio aggiungere "antico" da qualche parte qui, altre antiche leghe etrusche.


Scultura Etrusca in Bronzo - Storia

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La Toscana è rinomata per essere la patria della civiltà etrusca che ha lasciato molte tracce in tutta la regione, così come molte opere d'arte esposte in diversi musei e siti - dai un'occhiata a questo post su 5 opere etrusche da vedere.

Di seguito elenchiamo 5 aree archeologiche fuori dai sentieri battuti ma che meritano sicuramente una visita per tutti gli appassionati di archeologia desiderosi di saperne di più sugli Etruschi.

Not too far from the center of the beautiful town of Sarteano, in the province of Siena, there is a large and very interesting necropolis called “Necropoli delle Pianacce”. The first tombs were discovered in 1954, but the most striking findings were discovered in 2003 when the archaeologists found the Tomb of the Infernal Chariot, Tomba della Quadriglia Infernale in Italian language.

Questo large tomb, dating back to 4th century BCE, is delightfully decorated with colorful paintings depicting a funeral parade in the main scene we see the Etruscan God Charun conducting a chariot with two lions and two griffons, followed by a scene representing a typical banquet and then a big and colorful snake with three heads.

Inside the tomb were found also valuable vases and other objects now preserved at the Archaeological Museum in Sarteano.

This large necropolis is included in the Archaeological Park of the Tufo, in the Maremma region, southern Tuscany. It is located nearby the enchanting town of Sovana and it counts several interesting Etruscan tombs, like the Tomba Ildebranda. It dates back to 3d century BCE and is one of the most important funeral monuments in this part of Tuscany. It is completely excavated into the tuff rock and includes two different parts: the external part that is a large monument with columns and the burial chamber. Archaeologists found evidences that the monument was finely decorated and colored.

In the necropolis there is also the impressive Tomb of the winged demons, o Tomba dei Demoni Alati, that preserves a large statue of a figure lying on a deathbed in a niche overwatched by demons and lions, and that is a significant example of aedicule tomb.

The Lake of the Idols, or Lago degli Idoli, è un little lake on Mount Falterona within the National Park of Foreste Casentinesi. Questo è one of the most mysterious archaeological sites in Tuscany related to the Etruscan civilization in 1838, as a matter of fact, there was found by chance a bronze statuette of Hercules.

After the first finding they totally found about 650 different bronze statuettes - some of them are on display at the National Gallery in London and other international museums. Later on, between 2003 and 2007, archaeologists found other 200 bronze statuettes, that have both human and animal form, 9.000 Etruscan coins and about 4.000 fragments of iron arrows. Scholars think that the statuettes were religious offers to the Etruscan Gods. Most of these findings are on display at the Casentino Archaeological Museum located in Bibbiena.

On top of the hill of Frascole in the Mugello area, right in front of the Mount Falterona where the Idols Lake is, there is the Archaeological area of Frascole. The site preserves the ruins of a large Etruscan building with a rectangular plan and massive walls, that archaeologists suppose it was an important temple. On the other hand it was found the mane of the Velasna family written on a ceramic vase, so they also think it was a fortress.

In the area there were found also beautiful stone slabs that are funeral stele now on display at the Archaeological Museum in Dicomano. In the museum you see several finely decorated stone slabs, as well as Etruscan bronze statuettes and other valuable objects.

The Archaeological Museum of Chianciano Terme is a must-see site for Etruscan lovers. As a matter of fact the museum dedicated one large part of the exhibit to the reconstruction of several sepulchers with their burial goods that display objects in black ceramic, bronze figures and unique Etruscan canopies.

Il canopies’ collection is one of the most important in the world because it includes funerary urns that have the form of men and women, as well as animals.


A proposito di me

I live life dangerously by ignoring the advice of Chuang Tzu: "Your life has a limit but knowledge has none. If you use what is limited to pursue what has no limit, you will be in danger". Badly spoiled by my wife, I spend mornings in sculpture studio, afternoons in record shop, evenings on the internet, weekends at the Palette and Chisel Academy and Art Institute of Chicago, and, the time spent in between, reading world literature. Am currently focused on the Middle East and South Asia.


Usil, the Etruscan god of the sun

Usil, the Etruscan god of the sun, is equated with the Greek and Roman Helios/Sol Invictus. Appliques depicting the god usually depict the deity with spread wings and a nimbus of rays surrounding his head which is also adorned with a diadem. On such a plaque obtained by the J. Paul Getty Museum, the figure merges into a broad plate decorated with undulating lines, suggesting the sea from which the sun emerges at daybreak and sinks at dusk.

"Ornamental reliefs such as this functioned as fittings on funeral carts and chariots, which often accompanied the burials of Etruria’s equestrian elite. Probably affixed to the sides of the vehicle, the winged god reflects the imagery of a celestial divinity driving the chariot of the sun across the sky, which was common in Greek and later Etruscan art. The earliest Usil plaque, in the Vatican Museums, was reportedly found at Roma Vecchia between 1760 and 1775 and was illustrated by Francesco Piranesi in 1778. In 1845, four similar plaques were discovered in the Tomb of the Quadriga at Vulci, which preserved the skeletons of horses. Among the appliqués held in the National Etruscan Museum of the Villa Giulia in Rome, the State Hermitage Museum in Saint Petersburg, and other museums, some may belong to that burial. Although displaying slight variations in size, facial features, form of the plate, and position of the rivets, all are associated with a preeminent bronze-casting workshop in Vulci." - J. Paul Getty Museum

Other depictions of the Etruscan god feature Usil rising out of the sea, with a fireball in either outstretched hand, on an engraved Etruscan bronze mirror in late Archaic style and with a halo on Classical style Etruscan mirrors.

While Usil is depicted most often as male, there are also feminine depictions equating Usil with another indigenous Etruscan goddess, Catha, which is often interpreted as having a solar character. Usil is also shown in close association with Thesan, the dawn goddess, something almost never seen with Helios and Eos.


Etruscan Bronze Sculpture - History

Chapter 85: Graphic Design in the Lost Civilization of Etruscan

Due to the fact that their literature was deliberately destroyed in the first centuries A.D., the origin of Etruscans is a mystery. They arrived in the ninth century BC on the west coast of Italy that is now Tuscany. They resembled the Phoenicians, and perhaps they were sailing in small groups by sea from Asia Minor. Like Phoenicians they were traders and sailors and founded towns along the coast.They spoke a language unlike any other known European tongue, one hard to read and surviving mostly as limited tomb inscriptions. Scholars profess to have lost interest in pursuing the search for origins, perhaps because past efforts have brought nothing but confused and contradictory speculation.

The "Chimera di Arezzo," a bronze statue in typical Etruscan style

Apart from being great navigators, Etruscans are, nonetheless, known for having been among the first to make use of metallurgy and to raise it to an art form. They were very skilled in carving ornaments out of gold, silver, and bronze. The ancient Romans called them the Tusci or Etrusci, which later changed into Tuscany and Etruria. The ancient Greek knew them as as Τυρρηνοὶ (Tyrrhēnoi), earlier Tyrsenoi, from which the Romans derived the names Tyrrhēni (Etruscans), Tyrrhēnia (Etruria), and Mare Tyrrhēnum (Tyrrhenian Sea). The Etruscans called themselves Rasenna, which was syncopated to Rasna or Raśna.

Some Greeks held that the Etruscans were a branch of the Pelasgians, aboriginal inhabitants of the Aegean region, others such as Virgil thought they came from Lydia, a kingdom of western Anatolia. Herodotus also ascribes the origin of the Etruscans to Lydia, and reports that the ancestors of the Etruscans were forced to emigrate from Lydia because of 18 years of hard times. The Lydians built ships and half of the population left under the leadership of Tyrrhenus, the son of the king of Lydia.

The Pelasgians may have been the Sea People who around 1200 B.C. invaded the Egyptian Empire. The Greek historian, Dionysius of Halicarnassus, in his Early History of Rome dismissed these theories and argued that the Etruscan were the aboriginal inhabitants of their area. The question became more intriguing when, in the nineteenth century, it was discovered that most of the languages of Europe belonged to one big language family called Indo-European but Etruscan was not one of them.

Sarcophagus from Cerveteri 520 BC (Etruscan) Rome, Villa Giulia

While some 13,000 Etruscan texts exist, most of these are very short, thus almost all the information about their culture is derived from their tombs, as they were obsessed with elaborate burials. The ancient Etruscans prepared extensively for the afterlife, furnishing elegant tombs ordering handsome coffins or sarcophagi, and performing meticulous and sophisticated rituals. Many Etruscan sites, primarily cemeteries and sanctuaries, have been excavated, notably at Veii, Cerveteri, Tarquinia, Vulci, and Vetulonia.

Numerous Etruscan tomb paintings portray in vivid color many different scenes of life, death, and myth. Their interest in elaborate burials has led researchers to suppose that they may have had an underlying belief, similar to the Egyptians that a part of the soul remained with the body, or at least that the body was important for the afterlife.The passion for performing rituals such as the funereal liturgy of the Phersu and other ceremonial games of skill was very widespread among the Etruscans.

According to Dr. Annette Rathje of the University of Copenhagen excavations at a site called Murlo, on a hill south of Siena, were turning up increasing evidence of large-scale settlement and monumental art, including bold friezes and some of the earliest architectural terra cottas in Italy. The ancient city had an impressive acropolis and an enormous building, the largest in Italy before the sixth century B.C., that appears to have consisted of many smaller structures around a courtyard. Statues of gods or dignitaries and mythical beasts adorned the place.

New research shows Etruscans were a conduit for the introduction of Greek culture and its pantheon of gods to the Romans. The Etruscans developed a version of the Greek alphabet, a step that influenced Roman letters and thereby northern Europe's. They built the first cities in Italy, when the hills of Rome stood barren of promise, and their influence shows up in later Roman works of architecture and engineering.

Romulus and Remus (the mythical founders of Rome) gives an idea of the great skill with which Etruscan artists worked.

The Etruscan culture developed from a prehistoric civilization known as Villanovan (ca. 900� B.C.). By the beginning of the seventh century B.C., the Etruscans occupied the central region of Italy between the Arno and Tiber rivers, and eventually settled as far north as the Po River valley and as far south as Campania. Around 540 BC, the Battle of Alalia led to a new distribution of power in the western Mediterranean Sea. Though the battle had no clear winner, Carthage managed to expand its sphere of influence at the expense of the Greeks, and Etruria saw itself relegated to the northern Tyrrhenian Sea with full ownership of Corsica. From the first half of the 5th century BC, the new international political situation meant the beginning of the Etruscan decline after losing their southern provinces.

In 480 BC, Etruria's ally Carthage was defeated by a coalition of Magna Graecia cities led by Syracuse. A few years later, in 474, Syracuse's tyrant Hiero defeated the Etruscans at the Battle of Cumae. Etruria's influence over the cities of Latium and Campania weakened, and it was taken over by Romans and Samnites. In the 4th century, Etruria saw a Gallic invasion end its influence over the Po valley and the Adriatic coast. Meanwhile, Rome had started annexing Etruscan cities. This led to the loss of the Northern Etruscan provinces. Etruria was conquered by Rome in the 3rd century BC.

Even after they were subjugated and then annexed by the Roman Republic, the Etruscans and their influence never entirely disappeared. They were assimilated. They lost their language to Latin, and yet their legacy has endured in surprising ways, beyond any part they had in spreading the Greek alphabet. In fact, Romans owed more than they ever admitted to the Etruscans. Their achievements in engineering impacted Roman aqueducts and basilicas. The tombs of the emperors Augustus and Hadrian deliberately imitated Etruscan ones from seven centuries before. The artists of the Renaissance also built upon Etruscan foundations, as seen in the palaces of Florence, the sculpture of Pisa and the painting of Siena. Painting frescoes on wet plaster had been an Etruscan talent.

The Tomb of The Augurs
The two characters with their hands extended upwards at each side of the door are generally interpreted as augurs, but others interpret them as relatives of the deceased. The name written on the wall is Apastanasar which contains the root apa (father).

Two wrestlers are depicted, possibly part of the funerary games.

This scene is also probably part of the funerary games, depicting a masked figure holding a rope in his hand. The rope is attached to the collar of a dog. When the Phersu (masked person) pulls on the rope, a nail on the dog's collar bites into its neck, enraging the animal and causing it to attack a tethered man, possibly a condemned criminal.

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The Tomb of the Bulls, Tomba dei Tori, Approximately 560 BC

The main subjects on the three parts of this chariot box perhaps refer to the life of Achilles. In the center, Achilles receives armor from Thetis, his mother. On one side, he engages in combat with another hero, possibly Memnon on the other side, he appears in a chariot drawn by winged horses. While the style and subject of the reliefs look to Greek art and myth, the treatment of the scenes is thoroughly Etruscan.

The Etruscans were interested in sea creatures and birds. On one side the shoulder panel of this jar shows two mermen, on the other two belligerent dogs. Below, six metopes deployed fairly regularly around the circumference contain water birds, each somewhat different.

This colorful and unusual work represents one enterprising Etruscan artist's response to an originally Greek shape and type of decoration. The form of the amphora, the inclusion of a lid, the two-part handles, the pendant lotus buds in the shoulder panels, the rays at the base of the body, and the echinus foot derive from Athenian prototypes of the mid-sixth century B.C.

On this black-figure hydria, the Greek hero Herakles battles the Lernean Hydra while a large crab nips at his foot. His companion Iolaos attacks from the other side, cutting off one of the monster's heads with a harpe or short curved sword. Two sphinxes flank the handle on the back of the vessel, and floral decoration covers the rest of the vase: an ivy tendril on the shoulder and a palmette and lotus frieze on the lower body.

This hydria is one of a small group of painted vases produced at Caere in Etruria. All these vases appear to come from one workshop, which may have had two artists. Caeretan hydriai display many of the basic elements of Greek vase-painting reinterpreted for an Etruscan market, using a more vivid range of colors and emphasizing the importance of floral ornament in the decoration. They are unusual in that the artist used a template for the floral decoration, a technique not otherwise known in Greek vase-painting.


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Guarda il video: Nascita di una statua. Come nasce una scultura in bronzo da Salvadori Arte Fonderia Artistica (Dicembre 2021).